Comment le combat de Doom évolue aux côtés de la musique metal moderne

L'héritage durable de Doom est inextricablement lié à sa bande-son métallique. Une seule note, une image éphémère de la fureur démoniaque - tout crie en métal. L'imagerie emblématique du feu, des crânes et des créatures infernales reflète l'esthétique de tout concert Iron Maiden. Cette relation symbiotique entre Doom et la musique plus lourde a évolué aux côtés du gameplay du jeu, se réinventant tous deux sur trois décennies. De Thrash Metal Origins, Doom a exploré divers sous-genres métalliques, culminant dans l'intensité métalcore de Doom: The Dark Ages .

Le Doom original de 1993 s'est inspiré de la fin des années 80 et des géants métalliques du début des années 90 comme Pantera et Alice dans les chaînes. Cette influence est évidente dans des morceaux comme "Untitled" (E3M1: Hell Keep), qui présente un riff remarquablement similaire à "la bouche de la guerre" de Pantera. La bande sonore globale intègre des éléments de thrash métal qui rappellent Metallica et Anthrax, complétant parfaitement l'action rapide du jeu. Le score de Bobby Prince reste un classique intemporel, parfaitement synchronisé avec l'emblématique jeu de canons du jeu.

Cette synergie s'est poursuivie pendant plus d'une décennie jusqu'au expérimental Doom 3 (2004). Cet versement d'inspiration d'horreur de survie a pris des risques, certains controversés (comme le mécanisme de lampe de poche). Son rythme plus lent exigeait un nouveau paysage sonore. Alors que l'implication de Trent Reznor a été initialement envisagée, Chris Vrenna et Clint Walsh ont finalement composé la partition, créant un son rappelant le * latérale de Tool, avec ses signatures temporelles complexes et son atmosphère troublante.

• Nonobstant le succès de Doom 3 , ses éléments d'horreur de survie sont désormais considérés comme une valeur aberrante de la série. Cela reflète l'évolution plus large des jeux FPS au début des années 2000, avec la montée des tireurs de console comme Call of Duty et Halo *. Le quart de la bande originale reflète l'état turbulent de la musique métallique à l'époque, évitant les pièges du déclin de Nu-Metal.

Le redémarrage de 2016 DOOM a marqué un retour triomphant en forme. La bande sonore révolutionnaire de Mick Gordon, un chef-d'œuvre infusé de Djent, a parfaitement capturé le rythme implacable du jeu. L'intensité du score, dépassant même l'original, est désormais inséparable de l'expérience de jeu. Doom Eternal (2020), tout en mettant en vedette l'influence de Gordon, a vu une approche plus collaborative, résultant en une bande-son axée sur le métal, reflétant la popularité du genre à l'époque. La sensation plus légère par rapport à son prédécesseur reflète le gameplay plus expérimental d'Eternal *.

Alors que Doom 2016 reste un favori personnel, l'évolution de la bande originale reflète l'évolution du métal lui-même. Doom: The Dark Ages présente un nouveau chapitre fascinant. Le rythme plus lent du gameplay et l'accent mis sur le combat de mêlée, en utilisant un bouclier, suggère une bande sonore qui équilibre le lourd avec l'agile. Les extraits révélés font allusion à une partition influencée par le métal classique et moderne, s'inspirant de groupes comme les lâches et incorporant des éléments de thrash qui rappellent le Doom original.

Le gameplay des Dark Ages, avec ses mechs géants et ses créatures mythologiques, développe le combat basé sur le couloir de l'original. Cette évolution reflète l'expérimentation du métal moderne, le mélange des genres et la poussée des limites. Le potentiel de la bande sonore à transmettre de manière transparente entre l'écrasement de la lourdeur et les moments plus légers et plus mélodiques promet une expérience auditive passionnante. Doom: The Dark Ages est sur le point de livrer un nouveau chef-d'œuvre en métal, devenant potentiellement un nouveau favori pour les fans de la série et de la musique métal.